Crónica de «El sótano» de Josep Maria Benet i Jornet

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El estreno de una pieza de un autor tan prolífico y laureado –Premio Nacional de Literatura Dramática, Premio de Honor de las letras catalanas, etc.–, como es el catalán Josep Maria Benet i Jornet, es siempre una buena ocasión para ir al teatro. Si, además, el montaje está dirigido por un miembro de una de las compañías más interesantes del  teatro nacional como es el kamikaze Israel Elejalde, la cosa se va poniendo seria y si, para completar la faena, los intérpretes son tan solventes como Juan Codina y Victor Clavijo entonces la cita es inexcusable.

Soterrani (2006) es una pieza dramática escrita en catalán que como otras tantas de este autor fue posteriormente traducida al castellano (y a otras lenguas como el checo). Se trata de un thriller en clave actoral de tour de force estrenado en la Sala Beckett de Barcelona donde recibió una gran acogida. El estreno absoluto de Sótano en Madrid no contó con una respuesta memorable por parte del público, pero sí cosechó excelentes críticas de los medios especializados hacia el trabajo de los actores y del director. Este estreno tuvo lugar allá por el año 2009 en el Teatro Fernando de Rojas del Círculo de Bellas Artes. En aquella ocasión el propio Elejalde fue uno de los protagonistas de la obra que ahora dirige en La Pensión de las Pulgas.

El texto aborda desde una contención formal muy efectiva y una cadencia pausada  –tanto que a veces llega a resultar opresiva para el espectador– temas tan subjetivos e irracionales como la culpa, la redención por el castigo, el daño, la mentira y la muerte, pero, sobre todo, nos habla de la cara más oscura de la naturaleza humana. Temas espinosos que se dilucidarán a través de secretos y oscuridades del alma que serán desenmarañados mediante un desafío dialéctico que, a simple vista parece un enfrentamiento en pista de tenis, pero cuyas intencionalidades profundas son realmente pugilísticas. Una visión despiadada del ser humano que el espectador, atrapado por la trama, vive con comprensible congoja.

A pesar de la presión del estreno los intérpretes dieron muestra de su gran solvencia. Víctor Clavijo hizo gala de una envidiable abundancia de recursos interpretativos. Juan Codina estuvo muy correcto dejando ver que a medida que el montaje vaya estando más rodado irá ganando en matices y se subsanará el leve atoramiento razonable en una función tan delicada como la primera.

Expuestos como estamos a encontrar en el teatro muchas voces descuidadas, monocromas o/y monocordes, mal proyectadas o simplemente planas; voces que están ahí porque tienen que estar, pero que no apoyan al actor en la construcción del estado anímico del personaje ni dan pistas al espectador sobre las intenciones de éste, es un verdadero bálsamo disfutar con buenos actores que, además de tener una gestualidad precisa, saben transmitir también con la voz. Cuando el buen trabajo vocal permite al espectador ver una escena con los ojos cerrados sin perder la esencia de lo que está pasando porque la información sobre las emociones llega nítidamente a través de las inflexiones, el timbre o el cambio de color de la voz –y no sólo a través del volumen– la experiencia teatral es mucho más intensa y la verdad de la farsa se hace casi incontestable. El trabajo que hace en ese sentido Víctor Clavijo es superlativo tanto a nivel declamación, como proyección y uso inteligente e intuitivo de las herramientas interpretativas que ofrece la voz. La declamación, es también estupenda tanto en Codina como en Clavijo (se advierte aquí el trabajo de dirección de alguien tan riguroso en ese aspecto como es Elejalde).

En cuanto a la dirección creo que a nivel actoral es impecable pero sí considero que, tal vez, Elejalde se plantee cambiar alguno de los movimientos de los actores y sus marcas ya que, debido a las especiales características del espacio, en algunas escenas los actores quedan fuera de foco para parte de los espectadores durante demasiado tiempo (escenas en la puerta, sillón, etc.).

Resumiendo una cita teatral que sí o sí tiene todo para convertirse en un gran éxito de público. Otro gran acierto de programación de este espacio joven pero cada vez mejor asentado.

LUNES, MARTES y MIÉRCOLES del 26 de MAYO al 18 de JUNIO, siempre a las 20h – 15€

Autor: Josep Maria Benet i Jornet

Director: Israel Elejalde

Intérpretes: Victor Clavijo y Juan Codina.

La PENSIÓN de las PULGAS.

Teléfono de Reservas: 638752812 (de 11h a 14h y de 17h a 20h).

Crónica de «Carne Viva» de Denise Despeyroux

carne-viva-regreso-otoncc83o15El encanto del prolífico imaginario de Denise Despeyroux reside en su fecunda multiplicidad, que se plasma en una opulenta gama de elementos muy sugerentes como, por ejemplo, un extenso catálogo de personajes atractivos comprometidos en situaciones donde la insensatez suele ser el denominador común, junto con referencias a objetos con contenido totémico y fetiches propios de la autora. Todo ello aderezado por una incontestable comicidad que actúa como la energía nuclear que da unidad y coherencia a cada una de las subpartículas del discurso teatral. Un ostinato jocoso que impregna el texto incluso cuando la trama se sumerge en las procelosas aguas del drama. Así es que el universo despeyrouxiano es un lienzo atravesado con vigorosos trazos de, entre otros, romances malhadados; amantes desubicados; personajes dolientes; mancias; aciagos saltos hacia adelante; disparatadas sesiones de psicoanálisis e improbables libros de autoayuda de surrealista prosa rioplatense (entre otros). Y, por si todo esto fuera poco, hay que añadir el amenazante patronazgo de arcanas conjunciones astrales capaces de animar la trama a su antojo, aunque, casi siempre, con una indiscutible querencia hacia el horizonte siniestro.

De una mina tan generosa en mineral es normal que afloren buenas y grandes piezas. Auge y caída de un amor de Usera –la aportación de Denise al magnífico proyecto capitaneado por Kubik Fabrik sobre historias acontecidas en ese barrio– (descargable mediante la app «storywalkerusera») es una buena oportunidad para observar la maquinaria creativa de Despeyroux trabajando a toda máquina, pero probablemente será en Carne Viva, la dramaturgia que presenta y dirige en La Pensión de las Pulgas, en donde podremos apreciar en toda su esencia el rico entramado mental de la dramaturga.

Carne Viva es una propuesta que presenta de forma simultánea tres episodios de una historia, o mejor dicho, tres historias independientes pero que se encuentran conectadas entre sí por personajes que transitan inadvertidamente entre ellas. El espectador comenzará la función por la historia que le sea asignada arbitrariamente y completará el recorrido siguiendo el orden marcado por los organizadores. Tres historias, nueve personajes y una labor actoral de encaje de bolillos para medir tiempos y tonos. Ni que decir tiene que esta abigarrada estructura es la ocasión perfecta para que Despeyroux desborde, gustosa, un arsenal de esos elementos icónicos recurrentes que se encuentran impresos en la huella dactilar de sus trabajos, creando una trama hilarante que el espectador familiarizado con la autora puede beber como un si de un concentrado de ella misma se tratase:

En esta ocasión las situaciones surrealistas y los personajes en crisis ocupan una comisaría de policía que, exhausta de recursos, decide realquilar parte de sus dependencias… ¿Puede haber un planteamiento más despeyrouxiano?

Otra de las señas de identidad del teatro de Denise es que el músculo de la autora se tensa más para cosechar un florido ramillete de tramas y subtramas que para desarrollar éstas hasta su definitiva conclusión. De esta potente creatividad argumental también se nutre Carne Viva y, también, en esta ocasión caso, algún espectador curioso se irá a casa preguntándose por el destino de alguno de los personajes o por el desenlace de tal o cual situación. (Tengo que admitir que yo me encuentro en este grupo).

Con respecto al reparto creo que procede dar una enhorabuena a todos ellos ya que pasan con solvencia la difícil prueba. Muy bien armado el trabajo de Joan Carles Suau (Hugo) y, para mi gusto, muy efectivo el atribulado personaje (Inspector Bermúdez) que ha creado Fernando Nigro con una impecable vis cómica.

Una divertida propuesta que gustará a casi todos y que disfrutaremos especialmente todos los que somos seguidores del teatro de la autora de La Realidad.


Escrita y dirigida por Denise DESPEYROUX
Asistente de dirección: Raúl Prados, Ruth Rubio y Marta Rubio.
Vestuario: Ana López y Lorena Puerta
Espacio escénico: Alberto Puraenvidia
Espacio sonoro: Graham Newey
Cartel y Fotografía: Mista Studio
Reparto: Agustín Bellusci, Vanesa Rasero, Juan Ceacero, Marta Rubio, Fernando Nigro, Huichi Chiu, Joan Carles Suau, Sara Torres, Victoria Facio, Juan Vinuesa, Font García, David Matarín.


Fechas y horarios:

NOVIEMBRE 2015 SÁBADOS 21:30 y DOMINGOS 20:00

La PENSIÓN de las PULGAS 

Teléfono de Reservas: 638752812

Crónica de «Misántropo» dirección de Miguel del Arco

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La semana pasada tuvo lugar, en el Teatro Español, el esperadísimo estreno en Madrid del nuevo trabajo de la Compañía Kamikaze con Miguel del Arco en la dirección y adaptación libre de «El Misántropo» de Molière.

Las razones para no perder la oportunidad de ver este estupendo «Misántropo» son innumerables, pero, por motivos prácticos, en esta crónica he escogido solo seis razones para dejarlo absolutamente todo y correr al Teatro Español a ver «Misántropo»

1)    De lo nuevo y lo viejo:

En una de las más memorables arias de la ópera  «Los Maestros Cantores de Nuremberg» el sensato poeta y zapatero Hans Sachs hace una trascendente reflexión sobre la evolución del arte, o mejor dicho, sobre la imperiosa necesidad de evolución a la que están sometidos todos los lenguajes artísticos. Profundamente conmovido, y desconcertado, por la heterodoxia con la que un joven cantante ha interpretado su pieza, el maestro cantor, todavía subyugado por la emoción, exclama para sí:

¡Sonaba tan viejo y a la vez tan nuevo como el canto de los pájaros en mayo!…

En esta frase, aparentemente sencilla, se esconde un principio básico del desarrollo cultural: Conseguir que las preguntas de siempre, las que se hacen todas las generaciones, vuelvan a formularse de una manera que parezcan cuestiones novedosas.

La adaptación que ha hecho Miguel del Arco de un texto “viejo” de Molière presenta un lenguaje artístico moderno, muy sugerente para el espectador de hoy en día, si bien, también ha sabido preservar el legado de las reflexiones que el autor planteó a las audiencias del siglo XVII subrayando con ello su vigencia. Por otro lado, no se ha descuidado la belleza formal del texto       -un aspecto que no siempre se respeta en las adaptaciones se textos clásicos que se hacen en este país-, «Misántropo» despliega un uso brillante de un idioma que se entrega al público laboriosamente labrado.

Por lo tanto, este «Misántropo» del feliz tándem Miguel del Arco – Aitor Tejada cierra verdaderamente el círculo y cumple con la principal exigencia que demanda Wagner en el último número de la citada ópera: No faltéis el respeto a los maestros sino, al contrario, honrad su arte.

2)    La riqueza de los personajes

Aunque la visión que «Misántropo» ofrece de la sociedad supone en sí misma una enmienda a la totalidad, los personajes no se muestran como un todo homogéneo sino que cada uno posee una personalidad bien definida; tiene motivaciones diversas y sigue pautas de actuación propias. Tampoco se trata de personajes unidimensionales pues muestran comportamientos complejos en los que parece advertirse un único denominador común: A pesar de estar instalados en la frivolidad todos parecen seguir siendo sensibles al amor, o al menos, todos ellos muestran deseo de ser amados.

Alceste, el misántropo, representa una opción extrema de rechazo social. El desafío no es pequeño para el actor (Israel Elejalde) ya que le toca defender a un protagonista cuya actitud hostil hacia el contacto humano, que recuerda extraordinariamente a la deprimente pose ‘semper dolens’ de John Dowland, le hace resultar bastante antipático. Su impracticable deseo de una honestidad brutal tampoco le convierte en el perfecto candidato para ser el alma de las fiestas. El espectador solo siente empatía hacia él cuando, herido, muestra su frustración por el amor no suficientemente correspondido.

Celimena (Bárbara Lennie): Es frívola, superficial y bastante estúpida, pero, para desgracia de sus muchos admiradores, su juventud y hermosura la envuelven en un aura que proyecta virtudes que en absoluto posee.

Filinto (Raúl Prieto): Es el personaje más razonable. Pragmático, trata de mantenerse el equilibrio entre su disgusto por la hipocresía social y la necesidad de suavizar la verdad para no atraer sobre uno mismo el odio de los demás.

Elianta (Miriam Montilla) amó tiempo atrás a Alceste y desde la frialdad de su nueva relación con Filinto observa con envidia el afecto genuino que su antiguo amante profesa a Celimena Es tal vez el personaje que se presenta más melancólico y vulnerable.

Arsinoé (Manuela Paso): Moralista, rencorosa, manipuladora e hipócrita, es decir, un regalo para cualquier intérprete y hay que constatar que Paso ha aprovechado hasta el último matiz haciendo un trabajo apabullante.

Clitandro (José Luis Martínez): Si lo pillan en la sede de algún partido político le dan despacho y libreta para llevar las cuentas o manga ancha para gestionar los ERE. El personaje más dolorosamente actual de todos.

Oronte (Cristobal Suárez): A pesar de que este personaje fue creado por Molière, podría ser perfectamente el producto televisivo de un brainstorming de los directivos de Mediaset. Vacuo e injustificadamente pagado de sí mismo, su absoluta carencia de talento no le impide gozar de un amplio predicamento en una sociedad falaz de la que él es el indiscutible epítome.

3)    La política no el mitin

La crítica política tiene que estar presente en un texto cuya intención es diseccionar con afilado escalpelo las debilidades del comportamiento humano. Así lo ha entendido Miguel del Arco quien nos ofrece algunas escenas que, sin manipular el sentido del texto original, conectan con nuestra realidad inmediata. Cuestiones como el arribismo, la falta de ética, la retórica falaz de los políticos, la corrupción o la ambición desmedida son fielmente retratadas en una propuesta que, sin embargo, no cae en el aburrido tono mitinero que encontramos en tantos otros trabajos que abordan estas cuestiones. Actitudes, o incluso, personajes que hoy en día salen a diario en los informativos son perfectamente reconocibles en este «Misántropo» que ha sabido reflejar algunas de las servidumbres que afectan a la casta dirigente sin caer en la tentación de presentar al resto de la sociedad como unas inocentes ovejitas de conducta irreprochable.

4)    La confrontación de las dos reinas

Teatralmente creo que hay pocas cosas que funcionen mejor sobre un escenario que una enganchada dialéctica entre dos mujeres competidoras. Esta incuestionable preferencia por las broncas femeninas puede deberse a que, mientras los choques entre hombres evolucionan, por lo general, rápidamente hacia la violencia física, en el caso de ellas       –menos impulsivas, más hábiles con el uso del lenguaje y, posiblemente, más perseverantes en el rencor– los mamporros verbales suelen ir convenientemente acolchados en modales de seda. Sin embargo, no hay que engañarse, la punta de los dardos estará fieramente afilada y su intención será inequívoca, indefectiblemente irán dirigidos al que, en un mundo machista como es el nuestro, es el punto débil femenil: Su honra.

Foto de Eduardo Moreno
Fotografía de Eduardo Moreno

En mi opinión, este brillante enfrentamiento entre la bella y licenciosa Celimena (Bárbara Lennie) y la ambiciosa y moralista Arisoné (Manuela Paso) es  uno de los dos momentos más divertidos de la función.

La escena se estructura mediante dos monólogos sucesivos, en los que, con la excusa de una noble preocupación por la reputación de la otra, cada mujer destroza, inmisericordemente, a su oponente. Será en las respectivas contrarréplicas cuando la pátina de urbanismo se vaya diluyendo y aflore con cruel sinceridad lo que cada una piensa realmente de la otra. El clímax de la lucha se alcanza con una memorable frase de Arsinoé –que provoca un estallido de aplausos en el patio de butacas- en la que reprocha a su amiga, con incomparable mala leche e ilimitada gracia, su comportamiento licencioso: «Señora, yo cuando me arrodillo con la boca abierta es para dar gracias a Dios»

Podría ver esa escena veinte veces y seguir disfrutándola. La Arsinoé de Manuela Paso, con el punto justo de afectación melodramática, resulta hipnótica y la reacción rápida y viperina de la Celimena de Barbara Lennie es digna de protagonizar un reportaje de felinas en el Discovery Channel.

Abro un pequeño apartado para los muy fans de las peleas de gatas, para recomendar dos escenas memorables que ofrece el género operístico: Por un lado el dueto « Via resti servita» entre  Marcelina y Susanna del primer acto de «Las bodas de Fígaro» en el que, con gran elegancia, se despachan llamándose vieja y puta respectivamente, mientras superficialmente insisten con cortesía en darse preferencia en el paso.

Y, en segundo y último lugar, la monumental escena de la confrontación de las dos reinas de la «Maria Stuarda» en la que ambas acusan a la otra de ser una puta (previsible) y, como aquí, además, compiten también por los derechos dinásticos aprovechan para llamarse “bastarda”. Aquí os dejo un enlace a la potente «Figlia impura di Bolena!»

5)    La coreografía

Resulta difícil destacar algunos aspectos de un trabajo que es en sí irreprochable en su conjunto, pero si me gustaría comentar que uno de los más sobresalientes aciertos de «Misántropo» es el magistral trabajo de  movimiento de actores. La cuidada coreografía, firmada por Carlota Ferrer, va más allá de lo meramente estético o de un simple alarde de maestría en la expresión corporal, sino que se conforma como un potente elemento simbólico. En algunos momentos el movimiento se ralentiza y los personajes parecen convertirse en una extasiada procesión de bacantes. Una comunión que Alceste (Israel Elejalde) observa desde fuera con buscada distancia e indisimulada reprobación. Unos personajes que evolucionan por el escenario llevados por la corriente de sus propias pasiones y de su interdependencia.

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Fotografía de Eduardo Moreno

Tuve la suerte de ver hace meses la segunda función de «Misántropo» tras su estreno absoluto en Avilés. Pues bien, en aquella ocasión a pesar de que el proyecto apenas acababa de echar a andar, el trabajo coreográfico estaba ya completamente pulido. Hasta el punto de que, en este sentido, no he visto variación alguna entre aquel pase y el que vi en Madrid hace unos días. Esto da una idea del nivel del alto nivel de exigencia que se impone este equipo

6)    El trabajo técnico

Por último, me gustaría destacar un aspecto formalmente muy atractivo que es el trabajo audiovisual  con imágenes llenas de simbolismo y carga poética siempre al servicio de la trama. Me impactaron especialmente las escenas soledad, de desintegración y de sombras. De nuevo lo que se podía haber quedado en una simple ostentación de poderío tecnológico y medios económicos resulta un elemento catalizador de las emociones que invaden al espectador. Otro acierto del montaje, uno más, este de la mano de Joan Rondón y Emilio Valenzuela. Asimismo hay que celebrar la estupenda escenografía de Eduardo Moreno, la hermosa iluminación de Juanjo Llorens y el magnífico, y no pocas veces divertido, vestuario de Ana López.

Dirección
Miguel del Arco

Compañía
Kamizake Producciones

Reparto

Alcestes Israel Elejalde
Filinto Raúl Prieto
Oronte Cristóbal Suárez
Celimena Bárbara Lennie
Clitandro José Luis Martínez
Elianta Miriam Montilla
Arsinoé Manuela Paso
Colaboración especial (voz tema musical Quédate quieto) Asier Etxeandía

Ficha artística

Versión y dirección Miguel del Arco
Ayudante de dirección Aitor Tejada
Escenografía Eduardo Moreno
Iluminación Juanjo Llorens
Sonido Sandra Vicente (Studio 340)
Música original Arnau Vilà
Coreografía Carlota Ferrer
Vestuario Ana López
Vídeo Joan Rodón y Emilio Valenzuela
Cartel Rodón & Moreno
Fotografía Eduardo Moreno
Materiales promoción Cultproject
Músicos grabaciones
Saxos y clarinete Pep Poblet
Trombón Albert Costa
Trompeta Marçal Muñoz
Guitarra Marc Quintillà
Voces Carles Torregrosa
Guitarra Javier Vaquero
Batería Checho Soler
Contrabajo Àlex Soler
Estudios de grabación Studio 340 Ten Productions
Producción ejecutiva Jordi Buxó
Dirección de producción Aitor Tejada
Ayudante de producción Léa Béguin
Auxiliar de dirección Daniel de Vicente
Auxiliar de escenografía Lorena Puerto
Coordinación técnica Mariano García
Técnico de luces Nacho Vargas
Técnico de sonido Enrique Calvo
Construcción de decorado Peroni y Esfumato
Transportes Cultural Transport
Administración Santiago del Arco

Una producción de Kamikaze Producciones en coproducción con Teatro Español de Madrid y Teatro Calderón de Valladolid y la colaboración del Teatro Palacio Valdés de Avilés.

Fechas y horarios: Del 23 de abril al 22 de junio
De martes a sábado 20h. y domingo 19h. A partir del 1 de junio horario de verano: de martes a domingo a las 20h.

 

Crónica de «Tape» de Stephen Belber

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Descubrí hace unos años el interés de Stephen Belber por el intrigante mundo de la percepción, la memoria, las apariencias (y las verdaderas motivaciones que se esconden tras estas) con la memorable «El proyecto Laramie» (2000), un montaje en cuya autoría participó junto a Moisés Kaufman y a otros miembros de compañía teatral «Tectonic Theatre Proyect».

Un trabajo cuya trama gira básicamente en torno a la intolerancia latente en una pequeña comunidad conservadora, Laramie, en donde se produjo un crimen de motivación homófoba. Para la preparación de ese montaje los dramaturgos tuvieron el acierto de hacer aflorar la intolerancia que impregnaba esa sociedad a través de un trabajo de campo consistente en la realización de varias decenas de entrevistas a los habitantes del lugar. Posteriormente, estas entrevistas serían incorporadas a la dramaturgia. Lo más curioso de aquel experimento fue que los miembros de la pequeña comunidad no solo parecían recordar hechos diferentes, sino que incluso hablando de un mismo hecho contrastado, cada ciudadano lo interpretaba de una manera personal, otorgándole una ponderación moral distinta. Esta falta de coherencia entre lo recordado por los diferentes individuos puso de manifiesto lo extraordinariamente difícil que es llegar a la verdad de las cosas cuando los observadores son seres humanos. .

A pesar de que «Tape», fue escrita en 1999 (es, por tanto, un año anterior al «Proyecto Laramie»), yo no la conocí hasta hace unos meses cuando La Canoa Teatro presentó este mismo montaje objeto de la crónica –con modificaciones menores- en la sala Kubik Fabrik. Ni siquiera había visto la versión cinematográfica dirigida en 2001 por Richard Linklater con Ethan Hawke (Vincent), Robert Sean Leonard  (Jon Salter) y Uma Thurman (Amy Randall), así que tuve la oportunidad de llegar fresco y pude comprobar cómo algunas de las claves tratadas en la obra sobre el crimen de Laramie, también habían sido, con anterioridad, objeto de reflexión en este texto de dialéctica vibrante y de acción trepidante que persigue, a través de la confrontación moral de los personajes, exponer ante el público la maleabilidad de los recuerdos y la necesidad de contar siempre con diferentes puntos de vista para poder, al menos, aproximarnos, a la realidad de un hecho pasado.

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Crónica de «Un hombre con gafas de pasta» de Jordi Casanovas

 

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Uno de los aspectos que más me interesan del teatro es la posibilidad de observar la condición humana –pese a quien pese, mi condición- desde la perspectiva de la imagen ligeramente distorsionada que devuelve el espejo. De la misma manera que para entender correctamente un cuadro retrocedemos unos pasos, también para observar el lienzo de la realidad necesitamos tomar una cierta distancia. Estando inmersos en la composición, acuciados por la inmediatez del diálogo o la servidumbre de la empatía, se hace mucho más difícil ver la compleja materia de la que está hecho nuestro comportamiento.

Pues eso, la propuesta escrita y dirigida por el catalán Jordi Casanovas que se repone en el Teatro Lara después de su estreno hace unos meses en La pensión de las Pulgas, presenta una situación que no puede ser más cotidiana: Una reunión de amigos en casa de uno de ellos. Algo que vivimos aproximadamente una vez a la semana.

A priori, podríamos pensar que enfrentarnos a algo tan habitual resultaría poco sugerente. Nada más lejos de la realidad. “Vivir” esa situación desde la distancia del hecho escénico, pero, al mismo tiempo, en el marco cuasihogareño que proporciona una sala tan “domiciliaria” como es la Pensión de las Pulgas en la que el público se integra en la escenografía como parte fundamental del montaje, excita la curiosidad del espectador que, por arte de la magia teatral, de vulgar escarabajo, pasa en un tris, a ser inquisitivo entomólogo.

La primera parte del montaje, en clave de comedia, resulta hilarante porque el autor ha captado magistralmente una buena instantánea de la realidad para luego, como buen instagramista, aplicarle unos atractivos filtros que no hacen sino resaltar lo cómico de una situación bastante reconocible.

Es en esta sección en la que el espectador comienza a paladear las virtudes del montaje: las sólidas interpretaciones, la fluidez de la trama, la  identificación de un conflicto, que se presenta con presunción realista, con experiencias personales de seguro vividas por todos los espectadores. Hasta ahí, todo positivo, todo bien trabajado, pero, obviamente, al teatro le exigimos siempre una vuelta más de tuerca. Y es, precisamente en este punto, donde esta función alcanza el calificativo de sobresaliente. Un giro inesperado de la trama hace añicos el cuadro anterior. De pronto, los personajes, sometidos al extraordinario estrés de nuevos e imprevistos acontecimientos que destruyen la clave cómica en la que se había aposentado la sección anterior, evolucionan con celeridad hacia registros fuertemente dramáticos. Este giro radical del tono y de la trama permite al autor alardear de su control sobre el pathos teatral. En ese pasar desde el “todos somos muy simpáticos tomando copas” al “si das un paso más te mato”, en esa evolución de los personajes, es en donde se  encuentra, en mi opinión, la parte más interesante del montaje.

Para terminar de ponerle la guinda a la propuesta, es de justicia añadir que el autor, que nos ha sabido llevar por una especie de descenso de cañones en un verdadero rafting emocional, consigue, además, pergeñar un final a la altura de las expectativas creadas durante la función.

Sin ánimo de hacer ningún spoiler, sí me gustaría reconocer por una parte lo atractivo de los personajes creados por Jordi Casanovas y la eficacísima encarnación de los mismos por un  elenco de actores muy bien armado. José Luis Alcobendas hace un hilarante/inquietante Marcos (el gafotas al que hace referencia el título). Markos Marín (Óscar) no puede estar más divertido en el proceso de abducción de su personaje por el nocivo influjo del de las gafas, comportamiento que luego evoluciona hacia, unos abismos mentales en un proceso que no terminé de ver claro. Olga Rodríguez, como Laia también hábil en su papel primero de amiga pesada metomentodo y luego en personaje completamente desubicado por la información que la evolución de la trama le va desvelando. La que en principio aparece como más desvalida y sensible, Aina, Inge Martín, sorprenderá a la audiencia con un inesperado cambio de  actitud en el momento álgido de la acción.

Destaco, como especialmente divertido, todo lo relativo a la poesía del hombre de las gafas: el delirante texto en sí, que se podría analizar, entre risas, durante horas, pero del que destaco el verso de la aliteración de la “j”, -sin duda habría provocado un ictus a Rubén Darío-: “Ojos, ajos, lejos”, y también la actitud insoportablemente engolada con la que lo recita el pedante autor, así como la desternillante, y contradictoria, actitud de los oyentes del recital.

«Un hombre con gafas de pasta» se presentó en Madrid (en la sala Azarte) con otro elenco, hace unos años. Ha sido un verdadero acierto volver a traer este texto montándolo en un espacio, que lleva el camino de convertirse en icónico, en donde el teatro verdaderamente adquiere ese carácter de realidad aumentada en la que fácilmente podemos vernos reflejados.

 

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Teatro Lara: Corredera Baja de San Pablo, 19

 

 

Versión y Dirección: Jordi Casanovas

Ayudante de dirección: Gabriel Cuenca

Maquillaje: Mar Albaladejo

Vestuario: Tania Sanz

Intérpretes: José Luis Alcobendas, Markos Marín, Inge Martín y Olga Rodríguez.

Produce: MAD CHOICE

Crónica de «Los cuatro de Düsseldorf» de José Padilla

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La nueva propuesta del prolífico, y recién galardonado dramaturgo, José Padilla, –Premio El Ojo Crítico 2013-, nace de una residencia artística en la sala «El Sol de York», un espacio que ha decidido apostar por los nuevos talentos del teatro y por ser la cuna de montajes que se conviertan en referentes de la cartelera madrileña.

El resultado es una eficaz comedia, de muy buen ritmo que, a pesar del tono disparatado, no descuida completamente el ‘recado’, puesto que, sin perder el pellizco cómico, a través de la ironía, plantea ciertas cuestiones –sin cargar las tintas- que pueden ser objeto de reflexión para el espectador interesado en darle una vuelta más de tuerca al montaje.

La narración sigue un orden cronológico lineal que favorece la fluidez del relato. Cuatro personajes estrambóticos, aunque también entrañables, resultan un cebo demasiado sugerente para no quedar inmediatamente enganchado a la disparatada trama.

Y es que el primer punto fuerte de «Los cuatro de Düsseldorf, [#Düssel4]» está precisamente en sus dramatis personae. Tres de estos personajes trabajan en la delegación española de la corporación alemana llamada irónicamente “Die Geschichte des Unternehmens” [La historia de la empresa]: Un inquietante bedel, interpretado por Juan Vinuesa; la grotesca chica de las fotocopias, llamada María (Helena Lanza) y el consejero delegado, el incapaz y siempre atribulado Amador (Mon Ceballos). El cuarteto se completa con la pareja sentimental del empresario, Rocio, una joven con serios problemas de dislexia y con cierto grado de indigencia emocional interpretada por Delia Vime.

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Roger en una de sus suplantaciones

Carlos, el bedel, -él prefiere definirse como ‘custodio de documentos’ (un apelativo que ya, de por sí, es toda una declaración de intenciones)-, es el personaje alrededor del cual orbitan los demás, como si de un malévolo director de orquesta se tratara. Él es el catalizador que pone en marcha el desarrollo de la acción y es también el desencadenante del viaje a Düsseldorf (una ocurrencia de Amador, en clave de huida hacia delante, que tendrá desastrosas consecuencias para sus intereses). Es un personaje complejo que bebe de varios caracteres muy fijados en la retina del espectador. En un primer momento muestra un perfil cuasi quijotesco (propone una filosofía impregnada de un idealismo de prêt-à-porter llamada “Sincerismo”), pero , al mismo tiempo, se muestra muy pagado de sí mismo -a pesar de su aspecto cómico y desaliñado-, por lo que también evoca al necio Sir John Falstaff. A medida que se desarrolla la trama se evidencia su estrategia hipócrita (utiliza la extorsión al mismo tiempo que aboga por esa patraña del “sincerismo”); además, hace gala de unas formas siempre bruscas y un tono amenazante, amén de una gran querencia por el lenguaje innecesariamente obsceno con especial predilección por el mundo genital, lo que le hace evolucionar hacia una especie de Ignatius J. Reilly andaluz, para, finalmente, cuando las motivaciones de su comportamiento han salido ya a la luz, encontrarnos ante un alter ego humano del hilarante Roger Smith, el alienígena egoísta, falsario y malhablado de «American Dad».

Sanchez gordillo
La conjura de los necios

Para que un absoluto cretino consiga elevarse sobre el resto y tomar el control es necesario que los que le rodean hayan puesto al descubierto alguna debilidad que el estúpido, desde su necedad, pueda utilizar como arma arrojadiza. Por un lado, el ordenanza consigue manipular algo tan blindado como una corporación empresarial, precisamente porque tiene conocimiento de lo que más asusta a una empresa privada, la verdad. Asimismo, podrá manipular a las masas porque conoce el desesperado anhelo de éstas por las explicaciones sencillas y las soluciones fáciles. Precisamente el ariete con el que se ganan las voluntades los telepredicadores y los políticos, es decir, los charlatanes.

El feliz matrimonio entre el atractivo personaje creado por Padilla y la delirante interpretación de Vinuesa es, sin lugar a dudas, el plato fuerte de esta propuesta. Vinuesa se muestra grotesco, grosero, inquietante y siempre excesivo. Incluso en los momentos de silencio o escucha hay, en su mirada, la expectación animalesca del que tiene un propósito y una presa a la que no va a dejar escapar, Vamos, una delicia para el espectador que durante la obra se balancea entre dos emociones, el estupor y la carcajada.

Pero Juan Vinuesa no está, en absoluto, mal acompañado en esta función. Mon Ceballos, que no para de trabajar (recientemente Vacaciones en la Inopia, Liturgia de un asesinato, etc.), es un campeón de plexiglás de esos que acaban siendo los principales responsables de su desgracia ya que, experto en decisiones ilógicas, cada que decide algo se sumerge un poco más en las arenas movedizas que le ha preparado el conserje. Divertidísimas, también, Delia Vime, una desequilibrada histrionisa con sorpresa final, y Helena Lanza cuyo personaje de aspecto desastrado protagoniza alguno de los golpes más divertidos de la función.

José Padilla, no necesita demostrar ya nada, pero este trabajo sí sirve para subrayar, una vez más, la versatilidad de su talento y la variedad de lenguajes en los que se siente cómodo. Le hemos visto manejar con acierto el registro más dramático en «En el cielo de tu boca»; enmendarle la plana al mismísimo Shakespeare en su fabulosa versión de la anodina «Enrique VIII», estrenada con gran éxito en el emblemático The Globe de Londres; construir con maestría un thriller psicológico en la sobrecogedora «Sagrado Corazón 45» o en el divertimento musical que supuso «Amarradas», además, de la reciente propuesta de teatro social titulada «Haz clic aquí» que cosechó un gran éxito en el Teatro María Guerrero del Centro Dramático Nacional.

Dramaturgia y Dirección: José Padilla

Ayudantía de Dirección: Fran Guinot

Elenco: Helena Lanza, Delia Vime, Mon Ceballos y Juan Vinuesa

Música: Jesús Hernández

Iluminación: Roberto Rojas

Diseño Gráfico: Alberto Marijuan

La obra estará en cartel en el teatro Arlequín Gran Vía todos los viernes de junio de 2014

Crónica de «Dorian» de Carlos Be

Dorian - Cartel - Jan Pisarik

Después de unos meses de residencia en Bogotá, el dramaturgo de psique siempre agitada, Carlos Be, vuelve a Madrid para hacer, una vez más, una apuesta fuerte con un montaje que, en mi opinión, está llamado a convertirse en uno de los trabajos de referencia del autor de «Peceras», «Muere Numancia, muere», «Exhumación» o la exitosa dramedia musical «Elepé».

A este tahúr de las emociones no se le da bien ir de farol y, en lo que a «Dorian» concierne, no lo hace. El órdago es arriesgado pero también cabal, juega con buena mano. Carlos pone sobre el tapete, con su mirada inmisericorde, muchas de las servidumbres que someten a nuestra sociedad. Buen buceador del alma humana a Be no le interesan las aguas claras, solícito se sumerge hasta lo hondo para remover el fango y traer a la luminosa superficie parte de ese barro fundacional.

Apoyado en el espléndido texto de la novela cuasi homónima de Oscar Wilde, publicada en 1890, Carlos Be ha creado con «Dorian» una dramaturgia llena de nervio que actualiza la reflexión sobre el demoledor impacto que provoca el excesivo sometimiento a la belleza, y a la vanidad que, indefectiblemente, acompaña a ésta. El tema no puede ser más clásico y, por lo tanto, no puede ser más actual y más universal. Quizá, por eso, es imposible localizar a este Dorian que enseñorea su ponzoña con paradójica ubicuidad por plazuelas de Praga, Bogotá, Nueva York o Madrid.

Todos los personajes de «Dorian» -de muy variada procedencia, cultura y nivel socioeconómico-, resultarán igualmente damnificados por la letal explosión atómica que provoca la despreocupada sonrisa del engreído adolescente. Un verdadero tsunami destructor que arrollará vidas vacías agitándolas como si fueran desvalidas caracolas huecas, a merced de las embestidas de una mala mar.

Salta a la vista que Basil, Henry, Victoria, Agatha, Wolfgang, James o Sibyl buscan desesperadamente afecto genuino, a saber, eso que da sentido a la vida, que da consuelo en el camino, que compensa las decepciones y alivia las heridas; esa promesa de seguridad y de merecido respeto, pero, incapaces de reconocer en los otros las virtudes del buen compañero, se subyugan al imperio de la frívola belleza sometiéndose sumisos al descaminado argumento que sostiene que lo bello debe ser necesariamente bueno. Dorian es inmoral en su inconsciencia, en su falta de empatía, pero todos los que le aman participan de esa inmoralidad por haber querido identificar el amor en los pliegues de la carne, en la luz de una sonrisa.

Nuestras sociedades están brutalmente asfaltadas de ese falaz razonamiento. Todos los caminos nos abocan a impregnarnos de ese pegajoso alquitrán: cada vez que encendemos la televisión, abrimos una revista o vemos una película se nos invita a construir nuestro proyecto sobre muscular chapapote, a cimentar nuestra felicidad sobre el oscuro y viscoso dominio de la pasajera hermosura.

Hombres, mujeres y viceversa
«Hombres, mujeres y viceversa» un 16% de share y un millón de espectadores

Este interesante montaje no se apoya únicamente en un texto que disecciona con colmillo retorcido el universo afectivo, y moral, de los atribulados personajes, sino que, también, está favorecido por un solvente equipo de actores que se han entregado en cuerpo y alma a la arriesgada propuesta del dramaturgo y director, casi todos ellos abordando el desafío de doblar personajes muy antagónicos.

El elenco, completamente masculino, aporta a la propuesta un marcado sesgo homosexual que sintoniza con la realidad social del propio Oscar Wilde pero que, además, subraya la coincidencia entre la temática de la obra y los valores propagados por esa cultureta impuesta al colectivo gay que, sin saber muy bien por qué, preconiza, tan frecuentemente, la exaltación del hedonismo y la vanidad exacerbada.

Amor al Alcance de un clic
Amor al alcance de un click

Por su versatilidad destaco el trabajo de Javier Prieto que se enfrenta a sus dos personajes con iguales dosis de profesión y verdad. Asimismo, David González, -cuyo trabajo hemos admirado en tantas ocasiones-, demuestra en este montaje la solidez de su talento que le permite, a estas alturas, reinventarse como interprete; su primera aparición es un verdadero punto álgido de la función y su monólogo como Wolfgang es, también, uno de los momentos más memorables de esta puesta en escena. La fresca interpretación del joven actor Carlos López, como el hipnótico Dorian, es el contrapunto actoral a la experiencia y las tablas con las que Alfonso Torregrosa, ha construido su carismático, irónico y desencantado Henry. Por su parte Jorge Cabrera, además de encarnar al pintor Basil, protagonizará, con mucha habilidad, uno de los momentos más sorprendentemente eróticos que se hayan visto sobre las tablas madrileñas en el marco de una de las “fiestas barrocas” de Wolfgang.

La función está, además, aderezada con  la colaboración del grupo musical Algora que pone música a una intensa escena discotequera protagonizada por Francisco Dávila..

Tuve la oportunidad de asistir alguno de los ensayos de este montaje y, aun estando todavía en agraz, ya me resultó conmovedor y necesario. En el estreno, con el trabajo ya madurado, entendí hasta qué punto «Dorian» habla de algo que nos afecta y nos hiere a diario. Es porque creo que el teatro nos puede transformar y realmente tiene la capacidad de hacernos mejores por lo que recomiendo, sin ningún tipo de reserva, esta función que nos ofrece ese maravilloso espacio, joven pero ya emblemático, que es La Pensión de las Pulgas.

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Versión y Dirección: Carlos Be

Ayudante de dirección: Pablo Martínez Bravo

Produce: The Zombie Company.

Productora: Sara Luesma

Elenco: Jorge Cabrera, Francisco Dávila, David González, Carlos López, Javier Prieto y Alfonso Torregrosa.

Cartel: Jan Pisarik

Música: Algora

La Pensión de las Pulgas

Representaciones en febrero: Martes a las 19 y 21.30 h

Representaciones en marzo: Lunes a las 20 h y martes a las 19 y 21.30 h

Teléfono de reservas: 638 752 812 (de 11 a 14 y de 17 a 20 h). Entrada: 18 euros.

Crónica de «Iaia. Memoria histórica» de Alba Valdaura

Iaia. Memoria Histórica

La historia como disciplina académica nos permite aprehender una serie de conocimientos que ayudan a explicar ciertos aspectos de la realidad. Sin embargo, la distancia desde la que necesariamente debe trabajar el historiador -sin la cual sería imposible hacer un estudio objetivo del pasado-, eleva, no pocas veces, el relato histórico a una altura que tiene poco que ver con la realidad humana, es decir, con lo humanamente comprensible. Las grandes magnitudes, las estadísticas y la mirada con perspectiva secular son una losa para entender realmente los estragos de una hambruna, el encanto de una época o el universo ideológico y sentimental en el que se desarrolló una generación. Entender el pasado es algo mucho más complejo de lo que podría suponerse a simple vista. Quizá por eso, siempre que sea posible, deberíamos completar los estudios formales sobre tiempos pretéritos con un intento de acercamiento al individuo, con un ejercicio para conocer cómo afectaron esos cambios ideológicos, esa evolución tecnológica o esa calamidad sanitaria a la vida de las personas. Los estragos de la guerra se entienden mucho mejor cuando descendemos al nivel de las desgracias familiares; cuando nos agachamos para mirar, a través de las ventanas, lo que ocurría en el interior de los hogares, que cuando leemos en un libro de historia la relación de millares o centenares de millares de muertos contabilizados en las trincheras de algún frente lejano.

La historia de las personas es, por lo tanto, la historia con la que mejor podemos empatizar, la que muchas veces nos da claves para entender la Historia “oficial”. No es disparatado pensar que muchos de los conflictos en los que nos vimos, nos vemos o nos veremos envueltos tendrían una mejor evolución si pudiéramos descender a ese nivel de implicaciones personales.

Quizá por esto, considero que la propuesta que trae la catalana Alba Valldaura a Madrid tiene este valor excepcional. Su montaje “La Iaia. Memoria Histórica” es precisamente eso: un tratado emocional de la historia catalana y española del siglo XX a través de los recuerdos de su abuela, su “iaia”, una mujer casi centenaria cuya memoria se desvanece por efecto de una enfermedad. Alba Valldaura, en su primera dramaturgia, ha rescatado del olvido el universo emocional de una mujer carismática e interesante, y será, a través de aquella mirada antigua, -ahora ya en el ocaso-, como nos hable del pasado y del presente, de su abuela, de ella misma y también de lo que nosotros hemos llegado a ser gracias a las muchas iaias que han habitado este país.

La propuesta, honesta, profundamente emotiva, rezuma verdad y nos ofrece el inesperado privilegio de contemplar aquella realidad ya perdida con los ojos de sus protagonistas.

Este montaje, estructurado como un unipersonal de factura nada artificiosa pero muy eficaz, permite,  además, a la polivalente actriz-dramaturga, utilizar diferentes lenguajes teatrales (monólogo, pantomima, títeres) realizando un verdadero despliegue de recursos que sorprenden en alguien tan joven.

Considero, por tanto, que es una oportunidad que no debemos dejar pasar.

Iaia. Memoria histórica. Del 16 al 18 de enero de 2015. en Kubik Fabrik

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Dramaturgia, dirección e interpretación: Alba Valldaura.

Ayudantía de dirección: Jordi Dueso / Susana Borderia/ Jazmin Olave.

Diseño de iluminación: Joan Grané.

Espacio sonoro: Arnau Vidal.

Material Gráfico (fotografias): Xavi Buxeda / Marta Balaguer.

Escenografía: Alba Valldaura / Jordi Viñas.

Producción: Xavi Buxeda / Jordi Dueso.


Crónica de «Las heridas del viento» de Juan Carlos Rubio

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Supongo que no descubro nada si, a estas alturas, -por problemas de agenda no había podido ir antes- comparto que Las heridas del viento de Juan Carlos Rubio es de lo mejor que se puede ver en la presente oferta escénica madrileña.

El texto, que se estrenó en 2005 en Miami, y que, desde entonces, se ha montado con gran éxito en multitud de países y en diferentes ciudades españolas, es un brillante ejercicio de inmersión a pulmón en las agitadas aguas del siempre embravecido océano de la atracción, los afectos y el amor, -sobre todo, en su versión más turbulenta: la del amor no suficientemente correspondido-.

Una propuesta de temática básicamente emocional que, sin embargo, no está exenta de razonadas reflexiones sobre las opciones vitales en materia de la gestión de los sentimientos; sobre la sana ironía con que la vida nos premia cuando conseguimos ver las cosas desde cierta perspectiva temporal y sobre el inagotable tema de las oportunidades perdidas. Todo ello regado con buenas dosis de humor cómplice e inteligente que hacen que la función no pierda su pellizco sentimental sin caer en dramatismos demasiado opresivos.

En esta feliz ocasión el texto está soberbiamente defendido por dos grandes actores. Por un lado, la fuera de serie Kiti Mánver, absolutamente impecable pilotando una nave que transporta al público por aguas de sorpresa, empatía, emoción, sonrisas y asumida nostalgia, -vamos, la materia misma de la que está hecha la vida-, todo con unas dosis de verdad y de profesionalidad superlativas. El personaje que representa Kiti nos enseña que, en la pujante ambición de la juventud, las zambullidas se hacen con la intención de encontrar perlas incandescentes y corales de fuego, pero, pasado el tiempo, con la templanza que dan la edad y una vez contrastada la pertinaz escasez de perlas y corales, uno termina sumergiéndose para sentir, al menos una vez más, el corazón desbocarse por la emoción del propio salto, aunque se sepa que, ese martilleo en el pecho y cierto regusto salado en los labios, son los únicos “tesoros” que va a proporcionarnos la experiencia.

A su lado Dani Muriel supera el difícil reto de compartir la balsa de náufrago con un elefante interpretativo de la talla de la gran Kiti. Su papel, bien defendido, será el detonante de la trama y su personaje, a pesar de su juventud, ya muestra el efecto de esas heridas aéreas a las que hace mención el título de la obra. Cooperador necesario de este gran montaje, le veremos evolucionar desde el hijo intrigado que desea descubrir el significado de un inesperado hallazgo entre los objetos personales de su recién fallecido padre hacia el hombre adulto que comienza a descubrirse cicatrices en la piel.

En fin, un montaje absolutamente recomendable tanto por el texto como por la eficacia interpretativa que podremos ver en, la cada vez más interesante, programación Off del Teatro Lara.

Autor y Director: Juan Carlos Rubio

Reparto: Kiti Mánver y Dani Muriel

Ayudante de dirección: Chus Martínez
Diseño de luces: José Manuel Guerra
Vestuario: Guadalupe Valero //  Félix Ramiro
Fotografía cartel: Sergio Parra
Maquillaje y peluquería cartel:Yosuah Barea
Producción: Tal y Cual Producciones SL
Web:lasheridasdelviento.com

 

Crónica de «Vacaciones en la Inopia» de Íñigo Guardamino

vacaciones en la inopia

Finalista a los premios MAX

Un objeto de poder extraordinario extraído mediante el novedoso método del fistfucking inverso del interior de las entrañas del carnicero de Sabra y Chatila –un abuelito agonizante que se despide del mundo con la mirada dulce de los que se saben sin culpa– se convierte en el leivmotiv de este vuelo raso a través de alguno de los hitos más delirantes de la sociedad occidental moderna. La simbólica reliquia será el elemento recurrente a lo largo de una función que trata, entre otras cosas, de la fuerza destructiva del capitalismo entendido como herramienta de ambición, de la capacidad desintegradora de los nacionalismos periféricos y/o central y de la tozuda manía, tan querida durante el siglo XX, de intentar solucionar los conflictos mediante la eliminación física del contrario.

Una introducción con regusto al suntuoso estilo hermético del Apocalipsis de San Juan nos da claves esotéricas de enfrentamientos antiguos en una tierra nada santa. Las esperanzas de protección se rubrican en un soporte tan frágil como es el papel con la intención de conmover a un dios lejano profundamente hastiado de una raza que, sin duda  -y a los hechos me remito-, aborrece.

Y simultáneamente, en el otro centro del Universo (es decir, en la glorieta de Bilbao) de la heroica ciudad de Madrid –el nuevo Macondo-), alguien está lanzando un órdago a ese dios inconstante y antiguo: Un credo en ciernes dejará pasmado al ñoño dios crucificado y proclamará el poder ilimitado de Su divinidad don Parné. Todo lo que no sea amor será proveído por la nueva deidad, tan práctica en su potencia que su Valhalla está en el interior de un cómodo bolso-riñonera (de esos que se ajustan a la altura de las gónadas): y ¡quién querría tener amor cuando se pueden tener cosas! El ritual del deicidio se completa con las simpáticas camareras esparciendo por las generosamente orinadas calles de Madrid los deseos que aquellos ingenuos suplicantes del Levante escribieron en endeble papel. Bellacos los que no saben que al dios de Israel las únicas letras que le gustan son las que están escarificadas en la tierna piel de los creyentes.

Una religión se construye sobre la sangre de los mártires y el nuevo credo monetarista está tan ávido por hacerse una sólida reputación sanguinaria como lo hicieron todos sus predecesores. Los nuevos fieles se someterán voluntariosos a este deseo de sacrificio y ofrecerán los más expresivos gestos como prueba fehaciente de su compromiso con la nueva fe.  Nuevos dioses exigen nueva pruebas de acatamiento y humillación –nuevas alianzas–. Abraham, campeón de los pacatos y arquetipo del antiguo creyente, no dudó en demostrar su sumisión llevando apesadumbrado a su hijo al monte Moriah pero el nuevo dios gusta más de La naranja mecánica que de las travesuras veterotestamentarias así que tiene otros planes para la querida familia consumista. La fe es algo tan íntimo, tan enraizado en la esfera de lo personal, que nadie podría negar que entra mucho mejor por el culo.

Frente al teatro del «Yo no he sido», enquistado subgénero de la potente corriente «Los malos son los otros», la propuesta de Iñigo Guardamino hace un planteamiento adulto que incorpora la responsabilidad de la sociedad en su conjunto en la bacanal de consumismo y abandono de valores éticos que ha llevado a la dolorosa resaca que hoy en día padecemos. Con reveladoras escenas como la de los usuarios que van jubilosos a una entidad crediticia a pedir dinero y terminan solicitando ansiosos que el voraz empleado les narre un cuento o el maravilloso homenaje, en actualísima clave rumana, al Lazarillo de Tormes (el momento más ácido y también más desternillante de la obra, protagonizado deliciosamente por David Aramburu y Laura Maure).

Guardamino pone el dedo en la llaga: «Sí, estuvimos allí»; «sí, nos engañaron» y «sí, algunas veces nos dejamos engañar» porque los humanos somos  tan débiles, y/o tan mediocres, que cuando alguien nos mira a los ojos y nos dice «Te lo mereces» nos resulta extraordinariamente difícil sacarle del error.

Una propuesta, en fin, llena de sarcasmo y humor que reivindica una visión madura de nuestro pasado inmediato. Una función llena de claves y dobles lecturas que harán que el espectador motivado disfrute descubriendo el subtexto y las intenciones de un dramaturgo tan inteligente como travieso.

Vacaciones en la Inopia fue estrenada en la Sala Kubik Fabrik y después se programó en la Sala TU.

Cía la caja negra teatro
Texto y dirección de Iñigo Guardamino 

Elenco: Montse Gabriel, Mon Ceballos, Laura Maure, David Aramburu.
Ayudante de dirección: Crismar López
Diseño de iluminación: Pedro Guerrero
Escenografía y espacio sonoro: María José Pazos
Música: Joan Cerveró
Canciones: David Ordinsa (música) e Iñigo Guardamino (letra)
Fotografía: Carmina Prieto
Diseño: Roberto García
Producción: La caja negra Teatro.

 

Crónica de «Todo el cielo sobre la tierra» de Angelica Liddell

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Savannah Macé

 twitter

Crítica teatral y dramaturga

Artículo de Savannah Macé publicado el 17/07/2013 traducción de Sara Luesma  twitter

 

Aunque ya nada pueda devolver la hora del esplendor en la hierba de la gloria en las flores, no hay que afligirse. Porque la belleza siempre subsiste en el recuerdo.

 

Es peligroso contar el teatro de Angélica Liddell con palabras porque es un teatro vivo, una emoción que nos transforma, una imagen que queda grabada para siempre. Segura de sus neurosis, hace uso de ese arte de la palabra para denunciar y denunciarse, crea un universo fuera de lo común, distinto del tiempo, que se congela enseguida. Una antología de instantes atípicos: las escenas se encadenan pero no se parecen. Hay en esta puesta en escena y en la profundidad de la propuesta de Angélica Liddell una agilidad que roza los límites sin franquearlos jamás.

Todo el cielo sobre la tierra (el síndrome de Wendy) comienza con una larga escena de gritos y masturbación que hace temblar los muros de la Cour du Lycée St Joseph. Una sospecha de indecencia. Sin embargo nos quedamos embelesados, como si ya estuviéramos hipnotizados por el aura de la escena. Una vez más, como en la Casa de la fuerza, el cuerpo se pone a prueba y se enfrenta a la necesidad de vivir. Una vida súbitamente interrumpida por las 69 víctimas de la isla de Utøya. Atrapadas en el País imaginario de Peter Pan, todas esas Wendy pondrán sin embargo conservar su juventud. Dejando de crecer conservarán la mirada del otro que se nos escapa con el hilo del tiempo, el que nos abandona. Porque se trata, antes que nada, de amor. Un sentimiento que subsiste a pesar de la fealdad del tiempo que se apodera de nuestro cuerpo y de nuestros deseos reprimidos que encuentran a su vez contrapartida en un cotidiano que nos empuja, a veces, hasta lo irreparable.

Aborda el abandono del otro, de ese miedo a ver nuestras vidas y nuestros deseos absorbidos por la decadencia de nuestro cuerpo, destinado a pudrirse y a alejarnos del amor físico. Angélica Liddell trata el sentimiento de pérdida con la mayor sencillez posible, oscilando entre subidas de potencia y magníficas danzas de Shangai. Nos aterroriza con su visión de las relaciones humanas, nos congela con sus sombras depresivas y su pesimismo recurrente, pero, a pesar de todo, la admiramos porque nos muestra belleza.

Qué importa la tierra de la que saquemos la fuerza para vivir y sobre la que encontremos la presencia del otro, lo que importa es la poesía que nos rodea, ese momento de gracia en el que, frente a un espectáculo tal, lo mental desiste y se deja llevar a emociones aumentadas provocadas por esa misteriosa mezcla de fealdad y brillo, de angustia y felicidad. Transformados antes este Teatro de la vida, sin aliento ante esta mujer que se entrega en cuerpo y alma al nombre de la pasión, vemos desde el abatimiento abrirse caminos misteriosos hacia los confines del pensar insaciable.

 

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Crónica de «Secundario» de Mon Hermosa

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Una sorprendente ave de la remota isla de Nueva Guinea exhibe, en las recónditas espesuras de la selva, resguardada de miradas curiosas por la cómplice prodigalidad vegetal del entorno, un inusitado comportamiento de inverosímil belleza. El alado muchachillo construye con tenaz habilidad un exuberante templete vegetal que engalana con toda suerte de conchas y otros rutilantes tesorillos. Desde tan privilegiado pabellón su única espectadora, a saber, una sobrecogida hembra de su misma especie, observa hipnotizada el vistoso alarde que el emplumado arquitecto ejecutará para ella. (Impagable la cara de pasmo de la pájara en el vídeo que adjunto al final de esta entrada).

Algunos estudiosos ven en este elaborado ritual de las “aves de emparrado” -como se llama popularmente a la familia de las Ptilonorhynchidae– una representación escénica en estado embrionario, lo que no deja de tener un gran mérito si consideramos que un pájaro es básicamente una lagartija con plumas.

Por supuesto, la analogía no es perfecta: aunque en el “emparrado” el ave usa una muy trabajada escenografía en la que se evidencia preocupación por la perspectiva y la plástica del espacio escénico además de una clara intencionalidad de epatar a la audiencia, la finalidad última que persigue el ave-actor es copular con su tímida espectadora, lo que, al menos en la generalidad de los casos -por suerte o por desgracia- no tiene correspondencia con los acicates que animan a los intérpretes teatrales de nuestra especie.

En efecto, no es lo mismo. El teatro humano es una actividad extraordinariamente compleja con variadas motivaciones e infinidad de lenguajes que, además, están en constante evolución, pero sí me gustaría pensar que esta enigmática necesidad de renunciar a la propia identidad para adoptar las penas y alegrías de otro, para impostar miedos y anhelos ajenos; este irrefrenable mandato de interpretar está impreso en lo más profundo de nuestra huella genética hasta el punto que nos ha ayudado a sobrevivir como especie.

Tengo una teoría muy de andar por casa sobre los orígenes del teatro en la que sostengo que antes incluso de que los prehistóricos chamanes comenzasen a enmarañar la realidad construyendo el provechoso negocio de la religión, el primer actor conseguiría exorcizar el espantoso terror de los oscuros aullidos de lo negro irguiéndose entre, los que, como él, se acurrucaban alrededor de la crepitante hoguera -dientes rechinando- para, sin previo aviso, arrancarse a dramatizar algún episodio gracioso acaecido durante la jornada; quizá el ridículo resbalón con posterior caída de bruces del severo jefe del clan durante una escaramuza cinegética o el inconsolable apetito del pequeño de la tribu devorando con infantil desmesura bayas silvestres que a la postre le descompondrían.

Esas primigenias carcajadas desde bocas prematuramente desdentadas, esa algarabía de greñas enervadas por la comicidad del relato, habrían impregnado de esperanza las espesuras de esa amenazante alborada de nuestra especie y habrían conseguido cohesionar al grupo cuyos integrantes podrían ahora reconocerse no solo con su verdad literal sino también con las identidades teatralizas con las que les hubiera interpretado ese providencial adán de los actores.

Unos cientos de miles de años después, muchas ortodoncias y generosa profusión de mascarillas capilares y ahí estamos otra vez los de la peregrina tribu humana sentados alrededor de un actor cuyo oficio básicamente sigue siendo el mismo: conseguir que sintamos menos miedo.

Antonio Velasco es el favorecido vástago de nuestro primer “homo dramaticus” y ese talento y profesión se nota nada más empezar la función cuando con estudiada cohibición se presenta desplegando una rica gama de matices dirigida a excitar nuestra complicidad y ternura.

En efecto, su “Secundario” es un personaje entrañable, ameno y divertido que ejercita una pródiga locuacidad apremiado como está a decir, en el breve espacio de tiempo del que dispone, todo aquello que le está habitualmente vedado por su exiguo protagonismo de actor de reparto.

Anécdotas familiares, hermosas leyendas, servidumbres del oficio y relato de antiguos y nuevos agravios van construyendo este nostálgico relato que a ratos nos emociona, a ratos nos hace reír a boca llena y otras veces, simplemente, nos hipnotiza.

El espectador, contagiado de la premura en la exposición a la que se ve obligado el actor antes la supuesta inminente llegada del renombrado protagonista de la obra, ansía saber más y más de la azarosa vida de este sugestivo secundario que, como aquel pajarillo con el que comenzaba yo esta crónica, nos impresiona mostrando sus tesorillos apenas protegidos en una vieja maleta.

La abundancia de recursos y el tino en su uso, la riqueza de matices y el eficaz tratamiento del ritmo de la función necesariamente nos hacen reflexionar sobre un protagonista ausente durante la representación pero cuyo eficaz trabajo es más que evidente. Me refiero, claro está, al director: Fran Calvo ha hecho un trabajo que no solo pone en valor la capacidad interpretativa del gran actor sino que dota a toda la función de una coherencia muy afortunada.

Con respecto a la dramaturgia que, como digo, es amable y llena de encanto, tal vez,  adolece un poco de bondadosa idealización, incluso partiendo de la base de su carácter sentimental y hagiográfico. Creo que esta visión un poco edulcorada del mundo de los cómicos hubiera soportado, sin perder su pellizco, cierta autocrítica, en clave de humor, sobre alguna de los inevitables pecadillos de la profesión: egos displásticos, celos profesionales, etc.

En cualquier caso una interpretación de lujo para una función que animo a todos a ver en la nueva sala de Lavapies «El Umbral de Primavera»

Crónica de «El diccionario»” de Manuel Calzada Pérez

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ULTIMA HORA 7/08/13: Vicky Peña Premio Ceres del Festival de Mérida por su trabajo en “El Diccionario” la obra en que encarna a María Moliner

Esta obra se podrá ver de nuevo en el “Teatro de la Abadía” Del 30 de octubre al 17 de noviembre de 2013

La María Moliner que ha creado Manuel Calzada Pérez es ser carismático, de una tenacidad hercúlea y profundamente culta; es una mujer que, a pesar de ser consciente de la importancia de su ingente labor, se muestra ajena a cualquier tipo de presunción o encumbramiento. Más al contrario, su fino sentido del humor y su bondad espontánea hacen que la sólida intelectual que es resulte cercana y entrañable. Además de llevar a cabo una empresa titánica es un ama de casa que domina el ámbito doméstico: Combina el zurcido de calcetines y la preparación de paellas familiares con la extraordinaria tarea de ordenar y explicar los vocablos que componen la lengua española.

Y en en el ámbito más personal es una mujer inteligentísima que, gracias a esta lucidez e intuición, ha sabido encontrar el camino a la felicidad ahí donde todo auguraba un destino profundamente amargo. Su talento le ha permitido ser libre donde todos los demás nos hubiéramos sentido esclavos.

Gracias a Manuel Calzada Pérez este personaje notable, de ejemplaridad más que necesaria, no ha quedado sumido en las tinieblas de la Historia para el gran público sino que ha tenido la tardía pero justa rehabilitación que merecía ella y que precisamos todos los españoles.

Vicky Peña, como si de una médium se tratara, desaparece totalmente al ser su cuerpo ocupado por el espíritu de esta María Moliner rediviva. No quedando rastro alguno de la actriz, el público emocionado sólo es capaz de ver al personaje. Helio Pedregal y Lander Iglesias, también absolutamente afortunados en sus papeles, completan este magnífico trío de actores en cuya maestría interpretativa se evidencia el gran trabajo de dirección de José Carlos Plaza.

La escenografía fuertemente simbólica que ha creado Francisco Leal es otro de los aciertos que ha hecho que se pueda decir, sin temor a caer en ningún tipo de exageración, que este montaje es un trabajo redondo que merece la mayor atención y el apoyo unánime del público.

¡Gracias por este teatro que enseña tanto, que emociona tan profundamente y que, sin duda, nos hace mejores!.

Reparto:
Vicky Peña
Helio Pedregal
Lander Iglesias
José Pedro Carrión

Dirección: José Carlos Plaza
Dramaturgia: Manuel Calzada Pérez
Producción: La Abadía y Anadramápete
Ayudante de dirección: Leo Granulles
Asistente a la dirección: Jorge Torres
Escenografía e iluminación: Francisco Leal
Vestuario: Pedro Moreno y Cristina Rodríguez del Yerro
Música y espacio sonoro: Mariano Díaz

Del 30 de octubre al 17 de noviembre de 2013
Martes a sábado, 20 h.
Domingo, 19 h.

Entradas


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Crónica de «Diario de un Loco»” de Gógol. Dirección de Luis Luque

Diario de un loco

Diario de un loco vuelve a la cartelera madrileña en el Matadero a partir del 18 de octubre 2013

Crónica de “Diario de un loco” 

Crónica de una función en una noche de verano*

Noche de estío en la terraza del Matadero en Madrid. Congregación sigilosa como de secreto rito de madrugada, procesión en murmullo expectante. En lo alto imperio de blanco lunar. Brisa traviesa de hora exquisita. Oscuro.

El silencio se rompe. Un hombre clama señalando al satélite, pide que la integridad física del astro sea preservada. Miro al cielo buscando lo albo. Lo encuentro radiante en hermosura. Todo lo bello es frágil y efímero ¿Qué hay sinrazón en aquél que quiere proteger la belleza?

Los días se acumulan junto a los sinsabores. Cada día una decepción. Cada nuevo desengaño se apila pesado sobre el anterior hasta que, colmada la medida del dolor, la atalaya construida de desilusión y llanto se desborda en un torrencial coro de burlas y amonestaciones. Incluso la iniquidad de los animales es fieramente rubricada en paranoicas misivas imaginadas. Humanos y bestias se conjuran para humillarle. El juicio, exhausto, se escapa por las heridas

La naturaleza se enardece en ese parque de Madrid. Como si las desgracias de nuestro loco azuzaran al viento que se agita también indignado en la azotea. Siento un estremecimiento no sé hasta dónde es el fresco, hasta dónde es la compasión por el dolor que está siendo representado.

Y si todas las heridas agostan el alma, las que más marchitan son las del desamor. Pero, ¿cómo poder atrapar lo que ha sido tan esquivo, tan distante y frío como un cuerpo celeste? Tal vez si el desafortunado lunático consiguiera sublimar su estado y, así, elevado, escapar de la injusticia de su raquítica condición sería posible, desde lo alto, alcanzar la desconocida dicha de ser amado. ¿Hay déficit de cordura en quien desea verse perfeccionado para merecer afecto? Si es eso locura estaremos todos emponzoñados de ese mal.

Los días. Los días. Los días. Tal vez se podría evitar el desmoronamiento si fuese posible detener la persistente cadencia de los días, de los agravios.

Aksanti Ivanovich comparte cierta lucidez venerable de sabio arcaico con otros legendarios perturbados rusos como el turbio Raskólnikov o como el loco literario ruso por antonomasia, el yuródivïy, “el loco en Cristo” que puebla tantos pasajes de las letras rusas,como aquel maravilloso “Ivanitch el Inocente” del Boris Godunov de Pushkin que, a pesar de sufrir las crueles chanzas de los niños, por virtud de su santidad, puede, sin embargo, hablar con libertad incluso frente a la mismísima majestad imperial: “No se puede rezar por el Zar Herodes, la Virgen Santa lo prohíbe” le espeta al homicida soberano. Ese mismo loco que convertido en personaje de ópera por Músorgski se lamenta conmovedoramente, con clarividencia de filósofo senatorial, del infausto destino de la desdichada Rusia: “Lágrimas mías derramaos copiosamente”. En este caso la locura es, además de una condición de extrañamiento y marginación, una puerta abierta por la que se cuelan reflexiones vedadas a los que están en sus cabales y por tanto deben someterse a la servidumbre de la prudencia.

Pero, además, el Aksanti dibujado sensiblemente por Luis Luque e interpretado con magistral oficio por José Luis García-Pérez es un loco tan vulnerable que nos arrebata de ternura. Un ser de mirada infantil y pícara que con los ojos busca travieso nuestra aquiescencia; un loco cautivador que exhala dolor en cada sospecha, en cada protesta, en cada queja. Un hermoso ser humano que cuando alcanza la imaginada púrpura corre, en un primer impulso, a ofrecer a su amada “una felicidad que ni siquiera puedes imaginar”. Un lírico mandatario que quiere proteger la belleza de los astros. Un soberano que lejos de emborracharse de armiño soporta paciente y extrañado el yugo al que le reducen sus súbditos-carceleros y que, finalmente, cuando acepta el evidente colapso de su efímera gloria, liberado ya de la mistificación del absurdo reinado, reclama con profundo desvalimiento la ayuda de una madre ausente.

Finalizada la función, la magia de los aplausos profusos y sinceros. El cruce de miradas con mis amigos expresando la satisfacción por haber compartido esta función mágica que enriquecerá nuestro recuerdo común.  La admiración inmensa por el trabajo bien hecho. La interpretación inmaculada José Luis García-Pérez la escenografía sencilla pero profundamente simbólica y efectiva de Mónica Boromello con algunos elementos escénicos, creados en colaboración con Alessio Meloni, que solo pueden ser calificados como monumentales aciertos, la música evocadora de Luis Miguel Cobo, el vestuario de Paco Delgado  y, con permiso de todos, la genialidad y la profunda humanidad del director del montaje, Luis Luque cuya benevolente mirada y consistente talento han dotado de un hermoso lirismo a este personaje maravilloso personaje en el que reconocemos a la vez anhelos y miedos.

Producción: García-Pérez y Desde el Tejado Produce

Dirección: Luis Luque

Ayudante de dirección: Tacuara Casares

Intérprete: José Luis García-Pérez

Creación sonora: Luis Miguel Cobo.

Espacio escénico: Mónica Boromello

Ayudante de escenografía: Alessio Meloni

Vestuario: Paco Delgado

Próximas representaciones: En Matadero Madrid desde el 18 de octubre hasta el 17 de noviembre de 2013

Entradas en Telentrada

 

* La crónica se escribió después de una de las representaciones que tuvo lugar en la azotea del Matadero durante el Fringe 2013

Crónica de «Cerda» de Juan Mairena

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Teatro Alfil. Sábados y domingos septiembre 2015. Entradas en Atrapalo

[Actualizado 02 de septiembre de 2015]

Y sí, Cerda es una obra compleja que, a pesar de mostrar una pátina de una más que evidente vocación petarda y popera, tiene, además, un calado mucho más profundo y serio. Cerda es una gema laboriosamente facetada en la que el primer destello que deslumbra al espectador es el copioso juego de referencias que llegan abundantes desde mundos diversos como la televisión, la pintura, la música, el cine o el universo freak de internet. Desde The Walking dead y Homeland hasta Gertrude Stein y Dalí pasando por las videntes de la tele o por la fallida aproximación casera al método del Actors Studio perpetrada por Sonia Monroy.Cerda 2

Y es que Cerda hace un vertiginoso viaje desde el imperecedero glamour protochochi de Divine hasta la inmersión en el acervo lingüístico rural español con la justísima rehabilitación de locuciones rústicas de resultado tan impredecible pero siempre tan drástico, como el contundente «meter en verea» .

También es una obra rica en analogías y figuras simbólicas: ya en la presentación de la madre superiora, Sor Leona (Dolly), esta comienza enunciando la receta del membrillo evocando el efecto alienante que cierta educación mal considerada cristiana provoca en las jóvenes novicias: «se les quita el corazón, se remueve con cuchara de palo, se mete en moldes, etc». Soy especialmente «fans» de esa audaz relación a tres bandas que, en plan leitmotiv, sobrevuela alguna de las escenas más intensas de la obra, en la que uno de los elementos más fascinantes de la astrofísica, como son los agujeros negros, es audazmente comparado con una rosquilla del santo. Rizando el rizo, a su vez, esos dos elementos tan dispares entre sí –agujero negro y rosquilla mañanera que hace que nuestros días sean redondos– le sirven a Mairena para crear la potente imagen de una herida abierta en el alma a través de la cual se puede ver a una innominada niña solitaria,  jugando inocente y sola en la orilla del mar con olas niñas como ella.

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Y, como digo, este nutrido compendio de referentes actuales junto con el oportuno revival de tendencias bastante desfasadas, –la antediluviana Madonna, es un elemento vintage recurrente de la trama–, además de delirantes situaciones surrealistas –impagable el test de italianidad al que es sometida sor Katana (María Velesar)–, bien vale una visita al Teatro Alfil para echar unas risas, matar saudades y reflexionar un poco sobre los problemas sobre los que pivota este texto dramático: la identidad de género y la justicia, ya que, como sostiene Mairena, para que haya justicia la premisa es nos aceptemos nosotros mismos y también que nos acepten los otros como realmente somos.

El enloquecido humor de esta obra, es sólo una de las caras del chatón tan magníficamente tallado por Mairena. De hecho, en mi opinión, el gran peligro de esta propuesta radica en que el apabullante delirio místico-transexual impida, en cierto modo, apreciar el profundo lirismo y la riqueza simbólica con que está tratado el grave asunto que compone el meollo de este texto.

La obra fue estrenada con éxito en Argentina –en una producción local– en lo que supuso la primera incursión internacional del texto.

Recomiendo a los que se hayan sentido intrigados por el subtexto de Cerda que se animen a leer la obra y comprueben que está lejos de ser una comedia superficial. Cerda fue editada por Ediciones Antígona.

Presentación Cerda (Ediciones Antígona)
Presentación Cerda (Ediciones Antígona)
Sor Katana (María Velesar)
Sor Katana (María Velesar)

Y es que Cerda no es un título elegido al azar. Cerda va de comportamientos de pocilga. Va de seres humanos que deciden jugar a ser Dios con otros seres humanos. Va de esos cerdos y cerdas, que en toda época y lugar, respaldados por un credo, una ideología o por la supuesta autoridad moral que creen ostentar por gracia de su pertenencia a una determinada institución o grupo, se permiten, no sólo juzgar, sino también disponer de la vida de los otros, especialmente cuando estos otros son más vulnerables, es decir, en la niñez. Las profundas cicatrices que esculpirán en la infantil piel de estas víctimas inocentes las arbitrarias decisiones de estos jueces de cochiquera serán profundas y permanentes, sus afectos quedarán desvirtuados, su identidad desestructurada como carne de membrillo, su futuro malogrado. Sí, Cerda va de angelillos cuya opción a la felicidad ha sido abortada por habérseles robado el amor primero, el de sus madres.

Un acierto de esta propuesta es que a pesar del lamentable tema que trata Cerda no es una ejercicio de revanchismo, ni un panfleto –los mítines no son el territorio de los buenos dramaturgos, para eso están los estadios y las catedrales, los políticos y los curas–, tampoco es un ajuste personal de cuentas pero sí es un bello ejercicio para, desde un lenguaje disparatado y una exposición surrealista, contar una historia muy real y muy triste. Pero eso sí, aunque sin caer en el bíblico «ojo por ojo» al menos sí podemos desear que cada palo aguante su vela.

La voz de Mairena es singular y el ritmo muy personal, esCerda 1 frecuente que un monólogo reflexivo y existencialista progrese con una sola frase hacia lo grotesco. A nivel teatral hay escenas de gran lucimiento como la de la médium en la que un involuntario diálogo a tres bandas trasforma el significado de las palabras para cada interlocutor.

Inma Cuevas, la primera Sor Cicilia, recibió el Premio de la Unión de actores  a Mejor Actriz Secundaria de Teatro por este trabajo decano del Off  madrileño que en agosto de 2015 pasó, por fin, al circuito comercial. En la actualidad Carolina Herrera construye un personaje formado a partes iguales de humor y ternura.

Es imperativo destacar el sobresaliente trabajo de Dolly (Sor Leona) que controla impecablemente el cómo y el cuándo. Perfecta dando el énfasis adecuado –siempre indefectiblemente desbordado– a cada uno de los chascarrillos o rebuznos de su disparatado y esperpéntico personaje.

Por esa insólita capacidad para conectar lo desaforadamente popular con lo excelso, considero que Juan Mairena, tal vez sin proponérselo, es una especie de Junot Díaz español. Mairena es ese capaz de lanzar puentes entre Raffaela Carrà y Carl Sagan, entre la heroica poesía de Santa Teresa de Jesús y el pesadísimo aflamencamiento fumeta de Pastora Soler. ¿Cómo lo hace? No tengo ni idea, solo sé que lo hace y que funciona increíblemente bien. Y si queréis comprobarlo solo tenéis que dejaros caer por el Teatro Alfil.

Fechas y horarios: SÁBADO 20:00 DOMINGO 20:30 en el TEATRO ALFIL

CERDA

Dramaturgia y dirección de Juan Mairena

Elenco: Dolly, Carolina Herrera, David Aramburu, Soledad Rosales y María Velesar

Ayudante de dirección: Pablo Martínez Bravo

Escenografía: Blanca Moltó

Iluminación: Rodrigo Alonso García

Vestuario: Íñigo Sádaba

Coreografía: Pablo Martínez Bravo

Producción: La caja negra teatro

Crónica de la dramedia musical «Elepé» de Carlos Be

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Los domingos de mayo a las 13:00 en La Casa de la Portera (Madrid)

Con “Elepé Carlos Be confirma ser poseedor de un talento difícilmente encasillable.

Si en “Peceras” buceó por los oscuros abismos de la psique humana, en su inteligente comedia “Elepé” crea un entrañable y divertido universo en el que las complejas interacciones entre la amistad, el amor y la búsqueda del éxito darán pie a situaciones de gran intensidad emocional en las que aflorará a la superficie la profunda humanidad de unos personajes carismáticos que resultan hipnóticos para el espectador.

Una gran comedia, sí, pero una comedia con recado. Una comedia “Carlos Be”.

El dramaturgo y director, como buen maestro de ceremonias, haciendo honor a la máxima circense del “más difícil todavía” le ha dado una vuelta más de tuerca, -otra más-, al talento interpretativo de su magnífico equipo de actores, formado por Carmen Mayordomo, Iván Ugalde y Fran Arráez, a los que vuelve a hacer caminar, sin red, por la cuerda floja, ese territorio que conocen ya tan bien, y en el que lejos de achantarse se crecen hasta alcanzar la altura de gigantes. El propio Carlos Be salta a la pista -por primera vez- interpretando al omnisciente Dejota.

Si bien la interpretación de todos ellos es sobresaliente, Fran Arráez merece una mención especialísima por haber sabido meterse en la piel del personaje de leyenda creado por Carlos. Uno de esos personajes que tienen la sabiduría y la ternura de los que están acostumbrados a perder y, a pesar de todo, son suficientemente generosos para confortar y hacer reír a los que les rodean. La gran cantidad de matices que Fran Arráez ha aportado hace que, más allá de las lentejuelas, el personaje brille con fuego adamantino propio tanto en sus momentos de ágil e hilarante diálogo como durante sus emotivos silencios en los que una sonrisa, que tiene más de llanto que de risa, y unos ojos serenamente inundados de melancolía, de esos que miran con la mirada de los que habiendo perdido la partida están conformes con, al menos, haber podido jugarla, dicen mucho más sobre el sentido de la vida de lo que podía haber trasmitido el texto más esmerado.

La genialidad del trabajo de autor e intérpretes está, además, muy bien acompañada por la evocadora y muy efectiva escenografía de Alberto Puraenvidia, la música de Mirko Jumilla – sin duda uno más de los protagonistas de la obra-; la coreografía de Elisa Morris, el divertido vestuario de Antoni Delgado y el espectacular maquillaje de José Martret. La realización de cartel ha sido a cargo de Jan Písařík.

Dirección musical y piano – Mirko Jumilla
Coach vocal – Isabel Pastor
Coreografía – Elisa Morris
Escenografía – Alberto Puraenvidia
Vestuario – Antoni Delgado
Cartel – Jan Písařík
Producción ejecutiva y ayudante de dirección – Sara Luesma
Dirección – Carlos Be

Una producción de The Zombie Company y Tantarantana Teatre con la colaboración del Festival La Alternativa, La Casa de la Portera y Café del Cosaco.

Crónica de «Por los ojos de Raquel Meller» de Hugo Pérez de la Pica

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Por los ojos de Raquel Meller” Fantasía musical de Hugo Pérez.

Lo primero, la luz: Un sutil envolverse en un aura del pasado que inunda la hermosa puesta en escena. Un claroscuro como un preciso destello que apela a nuestra mirada que mansa se dirige hacia el centro de emoción.

Después, de inmediato, se repara en el color (que no deja de ser más que luz aprehendida por nuestros ojos): El derrumbe de una ladera de flores vertidas sobre el escenario a los pies de la genial artista. Los incontables vestidos, como enormes corolas, junto al exceso de los maquillajes y la miríada de ornamentos componen un óleo expresionista atiborrado de tonalidades donde se ha plasmado el encanto perdido de teatros de antaño.

La mirada sensible: Manteletas, botonaduras, borlas, flecos, madroños, cintas de seda y mantillas, canciones de modistillas, encajes y bordaduras.

Un túnel del tiempo, un catalejo, bien cargado de futuro, apuntando hacia el pasado; una mirada curiosa impregnada de nostalgia que desvela una hermosura ya retirada a su escondrijo, como el ave delicada que espantada se refugia en la espesura del bosque.

No es esta una belleza sugerida, sino más bien un sentirse arrollado por un tren colmado de delicias, un inundarse en perfume de cestos de violeteras. Una propuesta de un preciosismo artesanal, que ya nos es desconocido y ajeno, que sólo podría haber sido recuperado por un artista dotado de una imaginación inabarcable. Hugo Pérez se ha sumergido en manantiales recoletos, en fuentes olvidadas y nos ha servido un agua de verde musgo y fría piedra que de verdad refresca el paladar abotargado por tanto trago clorado.

Además, la mirada inteligente, la mirada del humor. Y hay mucho humor en esta obra, y muy bien transportado por, entre otros, Rocío OsunaChelo OlivaresCarmen Rodríguez de la Pica y un icónico Iván Oriola que estoico y, siempre digno, se entrega dócil al yugo, a veces disparatado, del exigente dramaturgo-director, para mayor lucimiento del espectáculo.

La carcajada frecuente se convierte en explosión de interminable onda expansiva en momentos como la difícil, pero logradísima, escena de la película, que evoca fidedignamente el peculiar traqueteo-parpadeo del cinematógrafo de principios del siglo XX. La escena divertidísima del pasodoble “Valencia”, la delirante lectura de la elogiosa carta que Sarah Bernhardt dedica a Raquel Meller y el glorioso número de las lagarteranas.

La emoción, Quizá uno de los grandes aciertos de la propuesta es que no se trata de una biografía historicista de la Meller, que, por muy necesaria que ésta sea, hubiera limitado el interés a un público nostálgico de su arte. Muy al contrario “Por los ojos de Raquel Meller” es un recorrido por el imaginario escénico de este país en el que se tratan universales recurrentes como el éxito, el olvido, el amor y el desamor, el fracaso, la frustración, la envidia, etc. Conceptos que son entendidos por públicos sensibles de cualquier edad e inclinación artística. La carga emocional está también muy b ien repartida entre los personajes, aunque hay que destacar a la Raquel Meller del ocaso interpretada magistralmente por Irina Kouberskaya quien también es la responsable de un emotivo homenaje a Charlot.

Y la música: La música es el hilván que da coherencia y sentido a los diferentes paños que componen este rico espectáculo. Mikhail Studyonov, encargado de la dirección musical, ha sido el complemento perfecto a la fecunda creatividad visual de Hugo Pérez. En esta función al piano estuvo, siempre vibrante, Tatiana Studyanova. En cuanto a las golondrinas precursoras hay que ponderar el heroico trabajo de Maribel Per que deslumbra con un estudiado registro lleno de matices pretéritos, un timbre vintage acertadísimo, la afinación siempre correcta e inexistentes signos de agotamiento vocal a pesar del notable esfuerzo al que se ve sometida la protagonista. Per se alza como uno de los pilares en los que se sostiene el éxito prolongadísimo de este montaje que ya lleva siete años en cartel.

También hay que destacar la gracia picarona de la atractiva Badia Albayatiposeedora de una belleza vocal que corona todos sus demás virtudes interpretativas.

El gigante: Hugo Pérez tiene la capacidad, la inspiración, la sensibilidad, la inteligencia y el ojo abierto para captar y desvelar la belleza escondida; la humildad para mirar hacia atrás buscando la genialidad de los que nos precedieron; el ánimo para abordar empresas ambiciosas y la inusual valentía para ir contracorriente. Bajo la pátina arcaizante y folclórica de su propuesta hay una gran modernidad y una necesaria reivindicación de lenguajes incomprensiblemente olvidados. Por haber sido capaz de encontrar su estilo, por su arte no contaminado, por su generosa aportación a la cultura, por todo ello, Hugo Pérez es imprescindible y los que hemos tenido la suerte de descubrir su trabajo no somos otra cosa que bienaventurados.

En septiembre 2013 este espectáculo podrá verse, en gran formato en el Teatro REINA VICTORIA de Madrid

Dirección musical: Mikhail Studyonov
Compañía: Tribueñe
Autoría: Hugo Pérez
Dirección: Hugo Pérez

Reparto:
Maribel Per: Raquel Meller
Irina Kouberskaya: Raquel Meller (mayor), Bella Niebla, Charlot
Rocío Osuna: Tina Meller, Jerónima Salomé de Cabestreros…
Badia Albayati: Mariquita, Stra. Zumaya, Vicetiple…
Carmen Rodríguez de la Pica: Isabel López, madre de la artista, Eugenia de Montijo
Chelo Vivares: Sra. Roser, Jacarandina, Sarah Bernhardt…
Iván Oriola: Enrique Gómez Carrillo, Álvaro Retana…
Interpretación musical: Tatiana Studyanova Pianista

Crónica de «Peceras» de Carlos Be

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Próximamente en Sala Àtic22 Barcelona
Data: 4 i 6 de setembre 2013
Funcions a les 20:30
Crónica publicada tras su representación en el hall del Teatro Lara de Madrid en enero de 2013.

El otro día fui a ver Amor de Haneke y al hacer una reseña en la red sobre el tema que aborda la película recibí una serie de comentarios que iban desde el desinterés al más expresivo rechazo a la idea de ir al cine a ver una cinta en que la protagonista es una enferma terminal. Me sorprendió la virulencia con que muchos de nosotros rechazamos enfrentarnos a realidades incómodas. Sabemos que estas cosas existen, pero cerramos los ojos ante ellas como si con no mirarlas pudiéramos conjurar la amenaza que su sola evocación representa.

Al día siguiente tuve la oportunidad de asistir a una de las tres únicas funciones en las que, en Madrid, vamos a poder ver la reposición de la obra Peceras de Carlos Be (la próxima ocasión será el martes 22 de enero y la última el miércoles día 30 de enero en el Off del Teatro Lara.

La sensación que me causó Peceras no fue menos intensa que la que me había causado AmorPeceras también te hace mirar hacia un sitio donde uno difícilmente tolera sostener la mirada. Si en Amor ese sitio de abominación es la cama donde languidece un enfermo terminal, en Peceras Carlos Be, de forma inmisericorde, nos hace fijar nuestra mirada en el mundo de la violencia. Pero no la violencia edulcorada de Hollywood, que se sirve al gran público envuelta en tantos filtros que resulta muchas veces heroica o incluso estética. La violencia de Peceras nada tiene de decorado cinematográfico, muy al contrario, es tan realista, como la penetrante fetidez que nos envuelve cuando paseando por el campo nos encontramos con el cuerpo putrefacto de un animal muerto. Es ese hedor insoportable que nos apremia a salir corriendo para no impregnarnos del olor a muerte solitaria en una cuneta.

Algunos han querido ponerle apellidos a esa violencia de Peceras y han hablado así de: violencia “de género”, violencia “machista”, etc. Tal vez fue esa la intención, pero yo no lo veo así. Acotar el significado del sustantivo “violencia” con un adjetivo adyacente es suavizarlo, es darle un matiz, es, en cierto modo, ponerlo en un contexto y de ahí estamos casi un paso de comprenderlo. El mal que muestra Peceras es un mal absoluto, no puede haber contexto (temporal, económico-social, sexual, etc.) ni matización alguna en el hecho de que el placer de unos provenga del sufrimiento de otros. Tal vez peque de ingenuidad pero el único contexto que parece admisible –incluso necesario– es el de la locura ya que la idea de esa iniquidad en una naturaleza sana se hace intolerable (no podemos estar hechos de la misma materia que esos verdugos si no media una grave enfermedad mental). Prefiero, por tanto, verlo como el penoso resultado de un problema psiquiátrico a considerarlo una opción moral.

Por supuesto, para contar una historia hay que ponerla en un momento del tiempo y del espacio y hay que poner cara y nombre a los agresores y a las víctimas, pero hay que tener presente que las víctimas no se representan únicamente a ellas mismas, representan a todo aquel que es agredido, a las mujeres, por supuesto, pero también a los niños, a los hombres, incluso a los animales, a todo aquel ser vivo, capaz de sentir dolor, que es inútilmente martirizado sólo para que su tormento provoque placer a sus verdugos.

¿Con estas premisas alguien se preguntará si es conveniente ir a ver Peceras o serán razonables las mismas objeciones que ponían aquellos que no querían ver Amor? ¿Para qué pasar un mal rato? Yo contestaría que no sólo es conveniente verla es, además, necesario. Es necesario exponernos a la fidedigna recreación de ese mal para que nuestra sensibilidad, tan adormecida a veces, se espabile, para que nuestra consciencia se sienta sacudida y nuestra moral apelada. También, y no es poca cosa, porque es buen teatro, teatro del que conmueve, del que convence. Magníficas interpretaciones de Carmen Mayordomo, Fran Arráez e Iván Ugalde y extraordinaria dirección de Carlos Be en una arriesgada propuesta que de no estar tan bien hilvanada podría chirriar desastrosamente.

Para los que os animéis a mirar allí donde quiere el autor que dirijamos la mirada os daré una clave: nada en la obra es gratuito, nada está vacío de contenido, estad alerta. Fijaos no sólo en lo que ocurre en escena sino en las reacciones del resto del público, que son extraordinariamente reveladoras. Esta sinergia entre escenario y espectadores está favorecida por la proximidad que hay entre ambos en el espacio íntimo del hall del Teatro Lara provocando que el público se vea fuertemente comprometido con lo que está ocurriendo en escena.

Algunas claves de la obra las descubriréis sobre la marcha, otras en los días siguientes cuando reflexionéis sobre lo que visteis; como digo, es teatro del que hace pensar, del que te sacude y, quiero pensar también, del que te ayuda a ser mejor ser humano.

Crónica de «La otra voz» de Manuel De

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Intentar frenar a un amante resuelto a marcharse, intentar revertir el inexplicable proceso del desamor es un ejercicio tan desesperado y estéril  como sería pretender detener con las manos el incipiente avance de un tren que parte de la estación. Esos primeros momentos de progreso lento y cadencioso ya descubren una fuerza arrolladora, una terca e imparable disposición de frío de maquinaria metálica capaz de aplastar la desnuda carne que desesperada y suplicante se interpusiese en el camino del desafecto.

Y, sin embargo, nada de lo que anima los indescifrables mecanismos del amor y del olvido obedece a las impasibles reglas de la logística ferroviaria, ergo estamos condenados, contra toda lógica, a situarnos en mitad de las vías para imprudentes intentar detener el irresistible empuje del abandono.

El último encuentro, ese donde todas las batallas han sido ya peleadas, ese donde todos los cartuchos han sido disparados sirve tan solo para constatar la derrota y para que los contendientes puedan repartirse los despojos de un cariño ahora abandonado. Los efectos personales, antes meros entes inanimados, cobran ahora el carácter esotérico de preciosas reliquias que, como el bendito hábito de un santo, trascienden su identidad material para adquirir esa milagrosa propiedad que les permite retener entre sus urdimbres algo de la esencia de su propietario, ya sea la pureza o santidad del bienaventurado o el calor y la felicidad que ahora nos es negada por el amado. Prendas de vestir y otros objetos se transmutan ahora en poderosos aunque inertes iconos de una fe antigua y olvidada.

El potente texto de Manuel De “La otra voz” nos lleva a las postrimerías de una relación entre dos artistas, en la que ya solo queda el trámite del último encuentro.

Antonio, (Gerobis Martinez), va a saltar a las vías del tren en un desesperado e inútil intento de retener su marcha sin más ayuda que sus manos desnudas y para ello ensaya una y otra vez, en un angustioso monólogo, argumentos, razones y  agónicos reproches para recuperar el afecto perdido. A su amante, César, sólo lo conoceremos a través de la severa voz  de los tiempos del desamor. Una voz ajena y distante, una voz extraña, carente de calor y armónicos, en la es incapaz de reconocer al que fuera su  compañero de camino. Por eso, desesperado, le reclama volver a oír su otra voz, la voz de antaño.

Una propuesta de gran intensidad emotiva con momentos muy líricos e imágenes potentes sobre todo cuando Antonio comparte su desolación a través del rico mundo expresivo de la performance: Si el amor nos eleva y nos justifica el desamor nos degrada y animaliza.

Gerobis Martinez es un actor extraordinario que ha asumido el riesgo de interpretar a un personaje completamente sumido en la desesperación y lo ha hecho con credibilidad y solvencia sin caer en tics peripatéticos que podrían haber resultado muy molestos.

Una propuesta muy interesante que se podrá ver todavía  de nuevo en Sala Tú la partir de septiembre.

Crónica de «Exhumación»” de Carlos Be

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La semana pasada volví a asistir a una representación de Exhumación de Carlos Be en la Sala Tú. Ya había tenido ocasión de ver la obra unas semanas atrás y me había gustado pero sólo después de esta segunda oportunidad llegué a aprehender todos lo matices y riqueza simbólica de este complejo e interesante texto en el que el las pasiones del pasado aparecen enquistadas -como si de un ADN emocional se tratara- en lo más profundo del corazón de los personajes del futuro. Puede que la herencia sentimental se manifieste de una forma diferente en cada generación y en cada individuo, pero la semilla de la ambición, del deseo, del misterio del amor, el germen de la irresistible atracción por el poder y el mandato biológico hacia la supervivencia llamea en nuestra esencia con la misma abrasadora intensidad con la que incendiaba el espíritu de los personajes pretéritos.

Exhumación no va de lo que nos pueden contar unos huesos desenterrados sobre el pasado, no va de lo que nos puede decir una noble calavera de aquél que rellenó las óseas oquedades con su atormentada carne -aunque también-. Exhumación va, sobre todo, de la perenne inmortalidad de las pasiones humanas: cambian los nombres, los rostros, cambian los paisajes y cambian los idiomas en los que declaramos nuestro amor o aventamos los odios que nos atosigan y dominan, y, sin embargo, a través de los siglos permanece inmutable aquello que nos conmina a amar, a ambicionar, a odiar, a desear, es decir, nada de lo que lo que hace tan odiosa, y a la vez tan inexplicablemente interesante, a la ralea humana cambia.

Magníficas interpretaciones de Carmen Mayordomo, Iván Ugalde y José Gamo.